peinture – Paroles d'histoire

227. Le peintre Ilya Répine, avec Stéphanie Cantarutti et François-Xavier Nérard

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Les invité-e-s :

Stéphanie Cantarutti, conservatrice en chef au Petit Palais, commissaire de l’exposition
François-Xavier Nérard, MCF à l’Université Paris-I

L’artiste : Ilya Répine (1844-1930) à l’occasion d’une exposition au Petit Palais

La discussion :

Stéphanie Cantarutti

Pourquoi une exposition Répine ? (1:30) comment a-t-elle été organisée ? (2:45)
Un artiste aux origines modestes (3:30), né en Ukraine (4:30)
La fameuse toile de 1873 Les haleurs de la Volga et ses lectures politiques (5:15)
Un parallèle avec Courbet (8:00)
Répine et son rapport à la France, visitée dès les années 1870 (9:00)
Son insertion dans la vie artistique russe (10:00)
Le peintre de l’histoire russe et Les cosaques zaporogues (11:30)
Un regard sur des moments troubles de l’histoire russe : la Tsarevna, Ivan le terrible (13:30)
Un peintre de l’émotion et du moment saisi, comme dans Celui qu’on n’attendait plus (15:15)
Un artiste coutumier des retouches et repentirs (17:15)
Ivan le terrible, un tableau récemment vandalisé, à la forte charge politique (18:00)
Une forme d’éloignement dans sa propriété finlandaise à partir du XXe siècle (21:00)
La relation Répine – Tolstoï (22:00)
Répine, peintre de la vie religieuse : la Procession dans la province de Koursk (23:45) bossu
Comment travaille Répine (27:15) portrait de kanine
L’évolution de l’art de Répine (29:00) conseil d’état ; tout pemier tableau
Répine en Révolution, en 1905 et 1917 (30:45)
Des relations complexes avec l’URSS (32:45) déserteur kerenski
La programmation culturelle accompagnant l’exposition (34:30)

François-Xavier Nérard

Un regard d’historien sur l’exposition, et sur son titre qui met en scène « l’âme russe » (36:15)
Répine peintre d’histoire, avec Ivan le terrible (40:10)
La mise en scène du mouvement populiste et ses ambiguïtés (42:20)
Représenter le pouvoir : Alexandre III (52:20)
Quels usages de Répine en URSS ? (57:00)

135. Églises en ruine, avec Mathieu Lours

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L’invité : Mathieu Lours, professeur en CPGE

Le livre : Églises en ruine, des invasions barbares à l’incendie de Notre-Dame, Paris, Cerf, 2020.

La discussion :

(cliquer ici pour écouter l’entretien avec Mathieu Lours sur Notre-Dame et les ruines du XXe siècle)

Une évocation d’Alain Erlande-Brandenburg, récemment disparu (1’)
L’arpentage des ruines, à l’origine de cette enquête (2’)
La ruine, objet singulier, entre anéantissement complet et préservation pour d’autres usages (3’)
La distinction entre église en ruine et église déconsacrée (5’)
Les ruines du haut Moyen âge, aujourd’hui rares (5’30)
La charpente théologique qui fait penser les ruines (6’45)
Le passage célèbre de Raoul Glaber qui évoque l’embellissement des églises au Moyen âge central (8’)
La « concurrence » entre ruines antiques et ruines d’église (9’20)
La Réforme, moment marquant de la destruction d’églises, suivant différentes logiques (11’)
Comment détruit-on une église ? (14’30)
La ruine d’église, un non-sujet pour la peinture classique
Deux destructions emblématiques : le grand incendie de Londres, la destruction de Port-Royal (18’)
Comment reconstruit-on des ruines ? une question qui commence à se poser au lendemain des guerres de religion (19’45)
La ruine d’église associée à la beauté à partir du préromantisme au XVIIIe siècle (21’30)
Le tableau de Caspar David Friedrich, Abbaye dans une forêt de chênes (1809-1810), emblématique de ce mouvement (24’)
Les destructions de la Révolution, plus complexes qu’on ne le pense parfois (26’)
La patrimonialisation des églises en ruine, au premier XIXe siècle (29’)
Les ruines d’église liées aux guerres mondiales, aux sens différents suivant les pays (30’30)
Où aller, pour voir les ruines ? abbaye de la pointe Saint-Mathieu, Saint-Félix de Montceau (33′)

Caspar David Friedrich, Abbaye dans une forêt de chênes (1809-1810), Berlin, Alte Nationalgalerie

38. La signature des peintres au XVIIIe siècle, avec Charlotte Guichard

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L’invitée : Charlotte Guichard, directrice de recherches au CNRS

Le livre : La griffe du peintre, Paris, Seuil, « Univers historique illustré », 2018.La discussion : le titre du livre, la « griffe » entre métaphore animale, geste auctorial, et dispositif technique (1:40) ; la signature médiévale ou renaissante comme marque de l’atelier (4:15) ; le monogramme de Dürer, affirmation de l’auteur mais pas encore autographe (5:45) ; les raisons qui font émerger la signature dans le tableau au XVIIIe siècle (6:55) ; les transformations du statut de « l’auteur » dans la période, et sa manifestation dans la signature (7:45) ; l’émergence d’un public qui sait regarder différemment les tableaux et leurs signatures (10:20) ; en retour, la complexité des choix d’emplacements pour les signatures, chez Chardin ou Boilly (11:50) ; les conditions nouvelles de la notoriété des peintres via les Salons notamment (13:05) ; le jeu de la singularité et de la répétition pour de mêmes tableaux (15:30) ; un jeu de répétitions et d’échos encore compliqué par la gravure (18:00) ; la peinture de Fragonard comme « performance » visible dans sa signature (20:10) ; la signature, “signe défaillant” et indice non fiable, suivant les analyses de Carlo Ginzburg (23:00) la nouveauté de la logique du nom au XVIIIe siècle, en l’absence de cartel ou de cartouche sur le cadre, et le contexte « démocratique » de la naissance du cartel au moment de la Révolution française (24:10) ; la « forme tableau » elle-même non encore stabilisée au XVIIIe siècle, qui n’est pas seulement une image, et dont il faut faire l’histoire (26:25) ; signer de son nom, une forme d’émancipation pour un artiste d’atelier, à travers l’affaire Casanova-Loutherbourg (29:45) et la signature de femmes pourtant mineures juridiquement comme Élisabeth Vigée-Lebrun (33:30), la signature monumentale et personnelle à la fois de David (36:15) ; les réorganisations révolutionnaires du rapport au nom et à la signature (39:40) ; plus largement la nécessité de faire dialoguer l’histoire de l’art avec une histoire matérielle et sociale de la culture, où les artistes contribuent à définir la valeur de leurs œuvres (43:20).

Les références citées dans le podcast :
– Pierre Bourdieu, Yvette Delsaut, « Le couturier et sa griffe : contribution à une théorie de la magie », Actes de la Recherche en sciences sociales, n°1, janvier 1975
– Béatrice Fraenkel, La Signature. Genèse d’un signe, Paris, Gallimard, 1992.
– Carlo Ginzburg, « Signes, traces, pistes. Racines d’un paradigme de l’indice », Le débat (nov. 1980), p. 3-44.
– Pierre-Michel Menger, Portrait de l’artiste en travailleur, Paris, République des Idées & Seuil, 2003.
– Luc Boltanski et Arnaud Esquerre, Enrichissement : une critique de la marchandise, Paris, Gallimard, coll. « NRF Essais », 2017.

Les conseils de lecture :
– Svetlana Alpers, L’Art de dépeindre. La peinture hollandaise au XVIIᵉ siècle, Paris, Gallimard, « Bibliothèque illustrée des histoires », 1990
– Svetlana Alpers, L’atelier de Rembrandt. La liberté, la peinture et l’argent, Paris, Gallimard, 199
– Roger Chartier, Lectures et lecteurs dans la France d’Ancien Régime, Paris, Seuil, 1987.
– Sophie Cras, L’économie à l’épreuve de l’art, Art et capitalisme dans les années 1960, Dijon, Presses du Réel, 2018.