107. Rambo, ou le rude retour du Vietnam, avec Marjolaine Boutet

L’invitée :  Marjolaine Boutet, Maîtresse de Conférences en Histoire contemporaine à l’UPJVLe film :  Rambo, first blood (Ted Kotcheff, 1982)

La discussion :

  • Rambo, un film assez méconnu, à relier au cinéma indépendant du « nouvel Hollywood » des années 1970 (1’30)
  • Résumé de ce « huis clos à ciel ouvert » qui oppose un vétéran du Vietnam au shérif d’une petite ville (3’35)
  • Le basculement du film lorsque Rambo revit le traumatisme du Vietnam (5’10)
  • Rambo « bon sauvage » mais expert du combat (8’00)
  • La tension entre les facettes du personnage : vulnérable et dangereux, marqué par la guerre (10’40)
  • La violence de Rambo, à réinsérer dans la représentation des vétérans dans le cinéma des années 1970-1980, et les codes des films d’action des années 1980-1990 (13’40)
  • Le fameux monologue de Rambo : « rien n’est terminé… c’était pas ma guerre » (16’30)
  • Rambo, symbole du désarroi d’une génération (19’)
  • Un film qui amorce un retournement conservateur de la mémoire du Vietnam, stigmatisant les pacifistes, le féminisme… (22’)
  • Le déni de la défaite du Vietnam, à travers la critique néoconservatrice de l’État et des institutions (24’50)
  • Quelle réception pour le film, préparée par des séries comme Magnum, PI à partir de 1980 ? (26’45)
  • Le mémorial du Vietnam et sa symbolique (30’45)
  • L’ami de Rambo victime de l’« agent orange » et la prise en charge lacunaire des vétérans (33’00)
  • L’absence des Vietnamiens dans la représentation américaine du Vietnam (35’20)

 

Articles de Marjolaine Boutet pour aller plus loin :

 

Conseils de lecture :

  • JEFFORDS, Susan, The Remasculinization of America : Gender and the Vietnam War, Bloomington (Ind.), Indiana University Press, 1989.
  • ANDEREGG, Michael (ed.), Inventing Vietnam, the War in Film and Television, Philadelphie, Temple University Press, 1991.
  • DITTMAR, Linda, MICHAUD, Gene, From Hanoi to Hollywood : the Vietnam War in American Film, New Brunswick, Rutgers University Press, 1990.
  • FERRO Marc, Cinéma et histoire, Gallimard, Folio, 1993.
  • VAÏSSE Justin, Histoire du néoconservatisme aux États-Unis, Odile Jacob, 2008.

106. Filmer la Révolution : ‘Un peuple et son roi’, avec Hugo Orain

L’invité : Hugo Orain, enseignant d’histoire-géographie et doctorant (co-tutelle) Rennes 2 et UQTR (Québec).

Le film : Un peuple et son roi (Pierre Schoeller, 2018)

La discussion :

  • Résumé du film, et des destins de personnages qu’il entrecroise (1’)
  • Le projet de Pierre Schoeller : faire la généalogie de la République (2’50)
  • Un film sur le langage politique, à l’assemblée et dans les couches populaires (4’10)
  • Les conseillers et conseillères historiques du film (5’30)
  • Une œuvre inscrite dans un contexte favorable à la représentation de la Révolution (7’30)
  • Un renouvellement historiographique perceptible à l’écran ? (8’50)
  • Des échos avec le mouvement des « gilets jaunes » et « nuit debout » ? (9’50)
  • Un film ouvertement positif envers la Révolution, ce qui est rare dans la période récente (12’15)
  • Un corpus plutôt négatif, au cinéma, à la télévision, dans les jeux vidéo (14’10)
  • Un moment clef du film : la manifestation des femmes les 5-6 octobre 1789 (16’30)
  • La place donnée à la chanson populaire dans le film (19’15)
  • Les principaux événements représentés, avec une place forte accordée à la fuite du roi et à la fusillade du Champ-de-mars, dans l’engagement révolutionnaire (20’30)
  • Une scène forte et réussie, la prise des Tuileries et ses préparatifs (24’)
  • Les sentiments mitigés laissés par le film, et les différents registres sur lesquels il fonctionne (26’50)
  • La façon dont Louis XVI est représenté, sans être ridiculisé (29’20)
  • Les débats entre députés à la salle du manège (33’35)
  • Décors, costumes, lumières : les choix visuels du film, inspirés des peintures de Raguenet (35’40)
  • Le film mis en perspective avec d’autres œuvres : La Marseillaise, Un violent désir de bonheur
  • Des séquences utilisables par les enseignants (39’45)
  • La puissance de la séquence dans laquelle la Bastille est détruite (40’50)

Conseils de lecture / pour aller plus loin :

105. Nanar sur le Nil : ‘Gods of Egypt’, avec Juliette Roy

L’invitée : Juliette Roy, étudiante en histoire, plus particulièrement de l’Egypte lagide

Le film : Gods of Egypt (Alex Proyas, 2016)

La discussion

  • Présentation du film : un bon nanar, mal reçu par la critique
  • Résumé de l’intrigue, avec le conflit Horus-Seth
  • Un film qui s’inscrit dans une série d’adaptations antiques / mythologiques
  • Une esthétique qui croise péplum et jeu vidéo (et mauvais goût)
  • Les mythes égyptiens mis en scène, comme la barque de Ré
  • Un casting accusé de « whitewashing »…
  • …sauf Chadwick Boseman jouant le dieu Thot
  • La manière dont le film représente l’au-delà
  • Des dieux « mortels » mais des « mortels » qui les accompagnent ?!
  • Comment représenter dieux et humains côte à côte
  • Décor et paysages « égyptianisants »
  • Les scènes ou éléments le plus WTF du film

Pour aller plus loin / conseils de lecture :

  • Le site Antiquipop
  • Hervé Dumont, L’Antiquité au Cinéma – Vérités, légendes et manipulations, Nouveau Monde Editions, Paris / Cinémathèque suisse, Lausanne, 2009, DISPONIBLE EN LIGNE.
  • Claude Aziza,Guide de l’Antiquité imaginaire. Roman, cinéma, bande dessinée. Nouvelle édition revue, corrigée et augmentée. – Paris : Les Belles Lettres, 2016.
  • Damien Agut, Juan Carlos Moreno-Garcia, L’Egypte des Pharaons, De Narmer à Dioclétien, 3150 avant J.-C.- 284 après J.-C, Paris, Belin, “Mondes anciens”, 2016.

103. Revoir ‘Excalibur’, avec William Blanc

L’invité : William Blanc, historien

Le film : Excalibur, de John Boorman (1981)

La discussion :

  • Présentation du film
  • Le parcours de John Boorman
  • Un projet initial : adapter le Seigneur des anneaux, et assumer la fantasy par opposition aux représentations du mythe arthurien dans les années 1950
  • La base du film : Le morte d’Arthur de Thomas Mallory (1470)
  • Merlin, le personnage central du film, et la place de la magie
  • L’épée Excalibur comme fil directeur du film, quitte à retoucher le mythe
  • Le personnage négatif de Morgane
  • L’exaltation de la nature et du lien avec la terre
  • Les jeux d’intertextualité, avec T. S. Eliot notamment (The Waste Land)
  • Les choix musicaux : Carl Orff, Wagner…
  • Les choix visuels du film, ses jeux de lumières et de couleurs
  • Son influence et sa postérité, en France notamment

Pour aller plus loin :

 

102. Le siècle d’or espagnol à l’écran: Alatriste, avec Alexandre Jubelin et Mehdi Girard

Le film : Alatriste (2006) d’Agustin Diaz Yanes, d’après les romans d’Arturo Perez Reverte

La discussion avec Alexandre Jubelin (podcast Le collimateur) :

  • Une adaptation des romans d’Arturo Perez-Reverte, qui représente le siècle d’or espagnol et ses guerres
  • Les guerres menées aux Pays-Bas comme arrière-plan du film
  • Une représentation de la guerre à l’époque moderne, dans ses différentes formes (siège, bataille…)
  • La façon dont le film fait des allusions visuelles aux tableaux de Velasquez
  • La représentation des armes, des détails matériels, particulièrement juste
  • Intrigues de cour et jeux nobiliaires
  • La bataille de Rocroi (1643), fin des mythiques « tercios » espagnols

La suite de la discussion avec Mehdi Girard (étudiant en histoire) :

  • L’intérêt du film
  • Le parcours du comte-duc d’Olivares, et sa représentation plutôt positive dans l’œuvre, comme ministre réformateur / rationalisant l’État
  • Un siècle d’or espagnol également montré dans ses splendeurs artistiques, à travers l’évocation de la rivalité entre les écrivains Quevedo et Góngora

Pour aller plus loin:

  • Les romans d’Arturo Perez Reverte
  • Bartolomé Bennassar, Un siècle d’or espagnol (vers 1525-vers 1648), Paris, Robert Laffont, 1982.
  • B. Lavallé, L’Amérique espagnole, de Colomb à Bolivar, Paris, Belin, 1993

 

99. Revoir “Octobre rouge”, avec Alexandre Jubelin – Le Collimateur

Émission en partenariat avec Le Collimateur, podcast de l’IRSEM, animée par Alexandre Jubelin

Le film : À la poursuite d’Octobre rouge (The Hunt for Red October) de John McTiernan (1990), d’après Tom Clancy

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Interprétation de la musique originale du film (Basil Poledouris) durant le générique de début de l’émission

53. Revoir “Le Nom de la Rose”, avec Elisabeth Lusset

L’invitée: Elisabeth Lusset, chargée de recherche au CNRS

F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Sean Connery, Umberto Eco et Jean-Jacques Annaud sur le tournage du Nom de la Rose

Le film: Le Nom de la Rose de Jean-Jacques Annaud (1986), d’après le roman d’Umberto Eco

La discussion:

  • Présentation générale et résumé du film (1:30)
  • L’origine du projet et le rôle des médiévistes comme conseillers historiques: Jacques Le Goff, Jean-Claude Schmitt, Michel Pastoureau, Françoise Piponnier…(5:45)
  • Le casting et le choix discuté de Sean Connery (10:40)
  • Les décors et les inspirations pour l’abbaye, mélange de différents sites: Eberbach, Rocca di San Leo, Sagra di San Michele, Castel del Monte… (12:20)
  • Pourquoi une statue baroque dans un film médiéval ? (14:15)
  • La réception critique et publique du film (15:40)
  • Un roman d’Umberto Eco presque impossible à mettre à l’écran (17:55)
  • La réaction furieuse de Jacques le Goff à la vision du film, et l’écart ou la tension entre cinéastes et historiens (21:20)
  • Une représentation du Moyen âge en partie juste, mais largement fantasmée (22:50)
  • La mise en scène d’un monastère bénédictin, et de ses rapports avec les paysans montrés comme misérables et exploités (24:25)
  • Le discours idéologique ou politique du film, et l’Église dépeinte comme instance de domination (26:00)
  • L’origine des franciscains, et des accusations d’hérésie portées contre certains ordres ou groupes religieux: Dolciniens, Spirituels… (31:50) et la mise en scène des affrontements religieux dans le film (37:20)
  • La représentation de la vie monastique et la crainte du scandale face aux transgressions  (38:20)
  • Enquêtes, autopsies et poisons au Moyen âge (41:00)
  • Peut-on torturer un moine médiéval, comme le suggère Bernardo Gui dans le film ? (43:40)
  • La question de l’abstinence des clercs (45:40)
  • L’anglais comme équivalent du latin dans le film, et le jeu sur les origines géographiques des personnages, avec le monastère comme lieu d’accueil (46:40)
  • Livres, scriptorium, bibliothèques (49:35)
  • Un Moyen âge dépeint sous des couleurs sombres, issu d’un imaginaire gothique / romantique: bossu, procès d’une « sorcière »… (52:33)
  • Guillaume de Baskerville comme incarnation du versant positif, rationnel, du monde médiéval, par opposition au fanatisme de l’inquisiteur (moins sanguinaire dans la réalité) et du bibliothécaire (54:20)
  • Les scènes les plus intéressantes d’un point de vue pédagogique ou pour ce qu’elles révèlent de la vision contemporaine du Moyen âge (55:40)

Les références et conseils de lecture :

Sur le film :
– Jean-Jacques Annaud, Une vie pour le cinéma, entretiens avec M.-F. Leclère, Paris, Grasset, 2018
– Priska Morrissey, Historiens et Cinéastes : rencontre de deux écritures, Paris, l’Harmattan, coll. « Champs visuels », 2004.
– Jacques Le Goff, Une vie pour l’histoire: entretiens avec Marc Heurgon, Paris, La Découverte, 1996.
– Michel Pastoureau, « La collaboration historique au cinéma: entretien avec Michel Pastoureau », Revue de l’Association historique des élèves du lycée Henri-IV : L’émoi de l’histoire, 21, tome 1, printemps 2000, p. 6-23.

En histoire médiévale, pour l’éclairer :
“Le cloître et la prison”:  webdocumentaire sur l’enfermement à Clairvaux
– François Amy de la Bretèque, L’Imaginaire médiéval dans le cinéma occidental, Paris, Champion, 2004.
– Franck Collard, Le Crime de poison au Moyen Âge, Paris, PUF (« Le nœud gordien »), 2003.
– Faustine Harang, La torture au Moyen âge, Paris, PUF, 2018.
– Claude Gauvard, Condamner à mort au Moyen âge, Paris, PUF, 2018.
– Elisabeth Lusset, Crime, châtiment et grâce dans les monastères au Moyen Âge (XIIe-XVe siècle), Turnhout, Brepols, 2017.
– Sophie Page, Magic in the Cloister. Pious Motives, Illicit Interests and Occult Approaches to the Medieval Universe, University Park (PA), The Pennsylvania State University Press, 2013.

 

37. Revoir Le Dernier métro, avec Alya Aglan

L’invitée : Alya Aglan, professeure à l’université Paris-I

Le film : Le dernier métro, de François Truffaut (1980)

La discussion : résumé du film ; la réception du film : succès public et professionnel, mais une relative tiédeur critique ; un film plus personnel qu’il n’y paraît au premier abord ; un tournage à charnière de plusieurs séquences mémorielles : mode rétro et « retour du refoulé » de Vichy et en particulier des persécutions contre les juifs ; les sources et références du film de Truffaut ; les thèmes du film (secret, claustration, compromis des personnages) ; la situation historique du film censé se dérouler en septembre 1942 ; les types incarnés par les différents personnages, dont la figure du critique de théâtre collaborationniste et antisémite Daxiat ; le tournant de novembre 1942 (invasion de la zone libre) mis en scène dans le film ; les éléments matériels de la vie sous l’occupation (pénurie, marché noir…) ; la mise en scène du collaborationnisme à travers Je suis partout ; l’intensité de la vie culturelle sous l’occupation ; le personnage joué par Richard Bohringer et sa présence dans la scène de traque des résistants ; l’omniprésence des discours antisémites dans le film et les questions d’identité mises en scène dans le film ; la difficulté des choix personnels et des compromis durant la période.

Les références citées dans le podcast :
– Pièces, films, émissions

Ernst Lubitsch, To be or not to be (1942)
Jean Renoir, This land is mine (1943)
Jean Renoir, Carola et les cabotins (1957)
Marcel Ophuls, Le chagrin et la pitié (1971)
Jean-Pierre Melville, L’armée des ombres (19969)

Livres (par ordre chronologique) :
Sacha Guitry, Quatre ans d’occupations, Paris, L’Elan, 1947.
René Rémond (dir.), Le gouvernement de Vichy, Paris, Presses de la FNSP, 1972.
Robert Paxton, La France de Vichy, Paris, Seuil, 1973.
Henry Rousso, Le syndrome de Vichy, Paris, Seuil, 1987.
Antoine De Baecque et Serge Toubiana, François Truffaut, Paris, Gallimard, 1996.
Jean-Michel Frodon, « Le Dernier métro : an Underground Golden Coach », in Dudley Andrew, Anne Gillain, A companion to François Truffaut, Oxford, Wiley-Blackwell, 2013
Laurent Joly, Dénoncer les juifs sous l’occupation, Paris, CNRS éditions, 2017.
Jacques Semelin, La survie des juifs en France 1940-1944, Paris, CNRS éditions, 2018.

 

 

30. Revoir Monty Python Sacré Graal, avec Justine Breton

L’invitée : Justine Breton, spécialiste des représentations arthuriennes en littérature et au cinéma, professeur à l’ESPE de Picardie

Le film : Monty Python, Holy Grail, de Terry Gilliam et Terry Jones (1975)

La discussion : le médiévalisme, domaine d’étude des représentations du Moyen âge et de ses déformations (1′), le rôle du roman de Walter Scott, Ivanhoé (1819) dans la cristallisation de ces images (3’10), le contexte de sortie du film et la présence cinématographique du Moyen âge (4′), les origines du projet chez les Monty Python (6’20), les différentes versions du scénario et les conditions cauchemardesques du tournage (9’05), les difficultés spécifiques de Graham Chapman/Arthur (11’40), la subversion des codes chevaleresques (13’05), comme de la narration filmée de l’histoire (15’25), un autre cliché détourné ou subverti, celui des bûchers pour les sorcières (19’15), quand se déroule le film ? Moyen âge générique ou spécifique (22’35), le personnage d’Arthur et son origine historique et littéraire (23’35), l’espace figuré par le film et la présence des Français (25’05), l’antagonisme anglo-français et ses significations : appropriation « française » des motifs arthuriens (26’28) ? l’inachèvement de la quête du Graal, dans le film et dans ses sources (29’50), la mise en scène de la sexualité et de la tentation sexuelle pour Galahad/Michael Palin (32’30), le travail sur l’image médiévale et l’enluminure (34’52), la place du religieux dans le film (36’20).

Le château de Doune, où furent tournées une grande partie des scènes du film

Les références citées dans le podcast :
– Richard Thorpe, Les chevaliers de la Table ronde, 1953
– John Boorman, Excalibur, 1981
– Michel Pastoureau, L’ours, histoire d’un roi déchu, Paris, Seuil, 2007
– T. H. White, The once and future king, Collins, 1958
– Justine Breton et Florian Besson, Kaamelot, un livre d’histoire, Paris, Vendémiaire, 2018.

Les conseils de lecture :
– Graham Chapman, A liar’s autobiography, 1980
– Eric Idle, Always look on the bright side of life, 2018